Pablo Picasso

Retrato de Pablo Ruiz Picasso.

La composición en blanco, negro y tonos grises titulada “Guernica”, de Pablo Ruiz Picasso, es una de las obras cumbres de la pintura del siglo XX

La taberna de Els quatre gats de Barcelona

Pablo Ruiz y Picasso (1881-1973), artista español conocido especialmente por su pintura, aunque también se dedicó a la escultura, la poesía, la cerámica, etc. Considerado como uno de los grandes genios de la pintura no sólo moderna sino de todos los tiempos, introdujo junto a Georges Braque el cubismo y participó en el movimiento surrealista, dotándolo de su propia estética. Entre sus obras destacan Las señoritas de Avignon y el Guernica, cuadros que han tenido una importante influencia en posteriores generaciones de artistas.

Los primeros años (1891-1898)

Pablo Picasso nace en Málaga, España, en 1881, hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Su infancia está marcada por los continuos cambios de residencia (Málaga, Coruña, Barcelona y Madrid) y las clases particulares que su padre, un profesor de dibujo, le daba. Gracias a dichas clases, el joven Picasso destaca pronto en el mundo de la pintura, realizando su primera exposición con sólo 13 años y ganándose una mención honorífica por parte de la Exhibición General de Bellas Artes con 16.

El cuadro presentado en dicha exposición, Ciencia y Caridad refleja, más que la pintura del primer Picasso, la de su padre. El lienzo muestra a una enferma tumbada en la cama, con un médico tomándole el pulso, y una monja, con un niño en brazos, ofreciéndole un tazón. La influencia paterna es clara: fue Don José quien sugirió el tema y posó como "doctor" en el mismo mientras que la tendencia academicista, suavizada con ciertos juegos de luces impresionistas, es más propia de un profesor de arte que de un joven dispuesto a romper los cánones pictóricos.

En 1897, el mismo año en que recibe la mención honorífica, Picasso es admitido en la Real Academia de San Fernando, la más importante institución artística de España en ese momento. Sin embargo, las clases le aburrían y prefería llevar una vida bohemia o pasar largas horas en el Museo del Prado, fijándose en las obras de Velázquez, El Greco y Goya. La admiración que Picasso sentía por estos pintores españoles sería luego visible en algunas de sus composiciones.

La vida es una de las obras características del periodo azul de Pablo Picasso.

En 1898, Picasso regresa a Cataluña. Tras una estancia en Horta del Ebro, debido a una enfermedad, decide romper definitivamente con las clases de pintura y frecuentar los ambientes artísticos barceloneses (café Els Quatre Gats). Su pintura se hace más modernista y de sus obras desaparece el apellido de su padre (firmará como Pablo Picasso), símbolo de la ruptura con la corriente academicista que éste encarnaba. Fruto de este giro, Picasso pinta Últimos momentos (sobre el que luego pintaría La vida), un cuadro aceptado por la sección española de la Exposición Universal de París y que cambiaría drásticamente su vida.

París y el periodo azul

Con motivo de la exposición, Picasso visita París con su amigo Carles Casagemas. Aunque sólo permanece en la capital francesa durante el otoño de 1898, su pintura se transforma radicalmente. Influenciado por las obras de Henri de Toulouse-Lautrec, abandona los temas modernistas y se centra en las figuras desamparadas (mendigos, prostitutas, etc.) como forma de reflejar la alienación humana y la soledad de las personas de clase social baja. Este desamparo y pesimismo pictórico se ve reforzado en 1901 con el suicidio de su gran amigo Casagemas.

Además, Picasso renuncia, quizá bajo la influencia de los postimpresionistas y especialmente de Vincent van Gogh, a la gama ocre de sus cuadros por las tonalidades azuladas, posiblemente como forma de expresar mejor la soledad y melancolía de sus personajes. Da así inicio al llamado periodo azul, el cual se extendería entre 1901 y 1904 y en el cual produciría obras como Vieux guitariste aveugle (El viejo guitarrista ciego, 1903) o La vie (La vida, 1903).

El periodo rosa y Las señoritas de Avignon

Las señoritas de Avignon, de Picasso, significaron la ruptura con la pintura figurativa clásica.

En 1904, Picasso regresa a París para residir definitivamente en la ciudad francesa. Allí se rodea de conocidos artistas como el poeta Guillaume Apollinaire y otros miembros de la vanguardia parisina, además de comenzar su relación sentimental con Fernande Olivier.

Su pintura se vuelve más cálida gracias al uso de colores marrones y rosas pasteles (periodo rosa, 1904-1905). Aunque no abandona las figuras desfavorecidas de la sociedad, éstas son también más alegres: de esa época datan la célebre serie de personajes circenses (arlequines, saltimbanquis, etc.).

Además, sus figuras comienzan a reflejar su interés por las producciones artísticas primitivas como el arte íbero, africano o precolombino (etapa negra o africana, 1906-1907). Los rasgos de sus personajes comienzan a transformarse desde la angulosidad de El Greco a la pura geometría. Éste será precisamente el rasgo principal de uno de sus cuadros más afamados: Les demoiselles d'Avignon (Las señoritas de Avignon, 1906-1907). En él se representa a un conjunto de cuatro prostitutas que recuerdan, en cierta medida, las escenas de Jacques-Louis David Ingres y Eugène Delacroix sobre los harenes árabes o Las bañistas de Paul Cézanne, pero en los rostros y los cuerpos predominan los rasgos geométricos y angulosos. La ruptura con la pintura figurativa tradicional es total y la obra causa disgusto e incomprensión en el círculo de Picasso; será el primer paso hacia el desarrollo del cubismo.

El cubismo

La estética que ya se intuía en Las señoritas de Avignon fue profundizada por Picasso entre 1909 y 1912. Influenciado por la técnica de passage de Cézanne, comienza a desarrollar, junto al pintor francés Georges Braque, con quien comparte taller, el llamado cubismo analítico, un estilo artístico que tendría gran influencia en el vanguardismo del siglo XX.

En el Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler, Picasso desarrolla el estilo del cubismo analítico.

En esta fase, Picasso rompe el elemento representado (paisajes como en Horta de l'Ebre, 1909, naturalezas muertas como Pomme et verre, Manzana y copa, 1910, o retratos como Daniel-Henry Kahnweiler, 1910) en planos geométricos formados por cubos de colores grisáceos. También busca la transformación del contexto mediante la eliminación del concepto tradicional de perspectiva o la inserción de diferentes focos de luz. Su intención no es la de crear un ente abstracto sino reflejar una misma realidad desde distintos ángulos.

Tras esta etapa, en 1912 se adentra en el llamado cubismo sintético (1912-1914). Para Picasso, la geometrización del objeto no ofrece más posibilidades y se hace necesario experimentar nuevas formas. Comienza a explorar el camino inverso del cubismo analítico: partir de las figuras geométricas para construir objetos "reales".

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Picasso empleó el collage para crear un efecto tridimensional.

Además, para que el cuadro no pierda el contacto con la realidad y se convierta en abstracto, Picasso empieza a pegar fragmentos de tela, granos de arena, etc., a los lienzos. Esta novedosa técnica (collage) rompía el plano del lienzo, creando un efecto tridimensional y jugando con los conceptos de realidad e ilusión. Éste es el caso de su obra Nature morte à la chaise cannée (Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912).

Etapa de transición

Aunque Picasso nunca abandonó la pintura cubista, a partir de 1912-1914 empieza a ensayar con otras artes (poesía, teatro, escultura) y otros estilos (realista, abstracto, surrealista). La escasa definición de su proyecto artístico en este momento es quizá reflejo de su propia vida personal: en 1912 se separó de Fernande Olivier y estableció una nueva relación sentimental con Eva Gouel que sólo duraría tres años debido a la muerte de ésta en 1915. En 1918 se casaría con Olga Koklova, una bailarina, con la que tendría un hijo: Paulo. Además, su círculo de amigos se rompió debido al estallido de la Primera Guerra Mundial, marchando algunos al frente (como Braque), otros a España.

Esta etapa, denominada por algunos especialistas como clásica o mediterránea, se caracteriza por una pintura más naturalista e influenciada por artistas como Ingres o Pierre-Auguste Renoir. Incluso sus cuadros cubistas aparecen más claros y con contornos más delimitados gracias al contraste de colores (Musiciens aux masques, Los músicos de las máscaras, 1921).

El surrealismo

A partir de 1925, Picasso comienza a interesarse cada vez más en la corriente vanguardista del surrealismo. Desde la década anterior había frecuentado los círculos de escritores y artistas vanguardistas como André Breton; su pintura también había utilizado recursos propios del surrealismo, pero nunca en la medida en la que lo hará a partir de ahora.

Junto a cuadros puramente cubistas, Picasso empieza a componer obras de marcado carácter surrealista, en donde lo onírico y lo erótico se dan a menudo la mano. Es el caso de Minotaure caressant une femme (Minotauro acariciando a una mujer, 1933) en donde el artista juega con dos de los elementos característicos de esta época: el minotauro y la mujer desnuda. Aunque son figuras constantes en sus cuadros, su significado no es siempre el mismo: el minotauro puede representar tanto al propio Picasso como al fascismo; las mujeres pueden ser amenazantes (problemas en su matrimonio con Olga Koklova, a la que abandonó en 1931) o atrayentes (romance con Marie-Thérèse Walter, con la que tendría una hija, Maya; romance con Dora Maar).

El Guernica

El Guernica de Picasso, obra cumbre de la pintura contemporánea, sintetiza cubismo y surrealismo.

En 1937, Picasso recibió el encargo por parte del gobierno republicano español de preparar una obra para una exposición internacional en París. El cuadro resultante, el Guernica, fue una gigantesca obra (777 cm de largo por 349 de alto) que reflejaba el bombardeo alemán de dicha ciudad vasca durante los compases iniciales de la Guerra Civil española (1936-1939).

Considerada como una de las obras maestras de Picasso, el cuadro es una composición monocromática en blanco y negro en la que, a pesar de la estética cubista, hay un trasfondo surrealista. Aunque algunas figuras tienen un significado evidente (la mujer con un bebé muerto en los brazos, el soldado caído, etc.), otras son más enigmáticas (el busto de toro, el caballo herido, la mujer con la antorcha en la mano, etc.). Picasso, fiel a la idea surrealista de que un mismo objeto podía significar multitud de cosas, nunca quiso desvelar los secretos detrás de las mismas, dejando al espectador la búsqueda de dicho significado.

Picasso tras la Segunda Guerra Mundial

Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso siguió trabajando en París, recreando atmósferas angustiosas en sus cuadros y bocetos. La recepción de dichas obras tras el final de la guerra no fue positiva, especialmente tras conocerse que se había afiliado al partido comunista. Sin embargo, más que una afinidad con el marxismo, Picasso mostraba una fuerte tendencia hacia el pacifismo, colaborando gratuitamente con numerosas iniciativas y realizando algunas de sus obras más simples y más famosas al mismo tiempo (Petite colombe de la paix, Paloma de la paz, 1955, Fleurs et mains, Flores y manos, también conocida como El ramo, 1958, etc.).

En su vida personal, antes de finalizar la guerra, en 1943, rompió con Dora Maar. Con su nueva pareja, Françoise Gilot, tendría dos nuevos hijos (Claude y Paloma) y dejaría París para trasladarse al Mediterráneo (Antibes, Vallauris). Diez años después, en 1953, Françoise y sus dos hijos abandonarían a Picasso, quien, tras un breve periodo de soltería, acabaría encontrando a su "musa" definitiva, Jacqueline Roque, con quien viviría en Mougins.

Estos problemas sentimentales no tuvieron incidencia en su obra, la cual muestra un optimismo inusual que contrasta sobremanera con la angustia de los años de la guerra. Sus obras se vuelven más simples, menos ingeniosas, recurrentes en la utilización de figuras. Esta simplificación, sin embargo, no tuvo apenas repercusiones en su fama: convertido en un mito de la pintura, pocas voces se atrevían a cuestionar su arte.

Picasso, artista polifacético

Fernande representa el intento de Picasso por llevar el cubismo a la escultura.

Aparte de la pintura, Picasso cultivó muchas otras artes, destacando especialmente en la escultura. Aunque se dedicó a ella desde sus primeras etapas parisinas, no sería hasta aproximadamente 1928, cuando comenzó a trabajar el hierro en el estudio parisino de Julio González, que profundizó en este arte. Aunque la temática de las esculturas de Picasso es variada, destacan especialmente sus bustos de escayola y las gigantescas figuras de animales en bronce.

También se interesó Picasso por las artes escénicas, creando el vestuario y decorados de numerosas obras. La más importante en este sentido fue Parade (1917), una obra de Jean Cocteau con música de Eric Satie y el ballet de Serguéi Diaghilev, la cual no tuvo una buena acogida. A pesar de la crítica hacia los vestidos de estética cubista de los personajes, una ruptura demasiado grande para el mundo tradicionalista del teatro, Picasso siguió colaborando en proyectos similares como las obras de Manuel de Falla El sombrero de tres picos (1919) y Cuadro flamenco (1921) o la Pulcinella(1920) de Igor Stravinsky.

En su etapa surrealista, Picasso se dedicó a la poesía y a los guiones teatrales, una actividad a la que destinó gran parte de su tiempo. Sus poemas fueron publicados en Cahiers d'Art (1935) y La Gaceta de Arte (1936), mientras que sus obras teatrales, Le Désir attrapé par la queue (El deseo atrapado por la cola) y Les quatre petitesilles (Las cuatro niñas) se estrenaron en 1941 y 1947 respectivamente.

En sus años finales, Picasso también experimentó con la cerámica aunque de una forma un tanto liviana, lo que le acarrearía algunas críticas. El genial artista compraba los vasos, jarrones o platos que luego decoraba con formas y figuras extraídas de sus cuadros, grabados o litografías.

Cronología de Pablo Ruiz Picasso

1891 - Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga, España.

1897 - Ciencia y Caridad. Ingresa en la Academia de San Fernando.

1898 - Picasso rompe con la corriente academicista.

1901 - Inicio del periodo azul. El viejo guitarrista ciego; La vida.

1904 - Inicio del periodo rosa. Arlequines y saltimbanquis.

1906 - Inicio del periodo negro o africano.

1907 - Las señoritas de Avignon.

1909 - Inicio del periodo del cubismo analítico. Horta de l'Ebre; Daniel-Henry Kahnweiler.

1912 - Inicio del periodo del cubismo sintético. Obras de collage. Naturaleza muerta con silla de rejilla.

1914-1925 - Etapa de transición (clásica o mediterránea). Interés por otras artes.

1925 - Inicio de la etapa surrealista. Minotauro acariciando a una mujer.

1937 - Guernica.

1945 - Hasta su muerte, simplificación de la obra artística. Paloma de la paz; Flores y manos.

1973 - Picasso muere en Mougins, Francia.

Esquema de Pablo Picasso

Artista español (1881-1973), uno de los mayores genios de la pintura del siglo XX, a la que abanderó en diversos movimientos.

De los inicios al cubismo. A su primera juventud corresponde Ciencia y caridad. En Francia desarrolla dos etapas, caracterizadas por el predominio de sendos colores:

-         Periodo azul: El viejo guitarrista ciego.

-         Periodo rosa: serie de personajes circenses (arlequines, saltimbanquis, etc.).

Cubismo, surrealismo y el drama de la guerra. La influencia del arte primitivo y la pintura geométrica desembocan en el cubismo: Las señoritas de Avignon, Manzana y copa. Más tarde, el cubismo gana complejidad con la técnica del collage. Tras una etapa de transición, que algunos llaman "mediterránea" (Los músicos de las máscaras), surge el surrealismo: Minotauro acariciando a una mujer. El drama de la guerra civil española queda plasmado en el Guernica, gigantesca obra monocromática (sólo tiene tonos de blanco y negro) de desgarrada expresividad. 

Picasso tras la Segunda Guerra Mundial. Sus obras se vuelven más simples y optimistas. Algunas de las más famosas son Paloma de la paz y Flores y manos.

El arte no pictórico. Picasso fue un artista polifacético. Al margen de la pintura cultivó la escultura (hierro, bronce, escayola) y la cerámica. También realizó decorados para ballets de compositores contemporáneos, entre ellos Falla y Stravinsky.